Cada época ha dejado su huella en la manera de representar y entender el cuerpo, reflejando los cambios sociales, políticos y culturales del país. Hoy, el arte colombiano sigue explorando el cuerpo como territorio de rebeldía, resistencia y creatividad, mostrando que, más allá de su apariencia, es un espacio de construcción de identidad y memoria. El cuerpo ha sido uno de los temas centrales y más complejos en la historia del arte colombiano, sirviendo como espejo de los valores, tensiones y transformaciones de la sociedad a lo largo de los siglos.

Durante el periodo colonial, la imagen del cuerpo estuvo profundamente marcada por la influencia religiosa y los cánones traídos de Europa. Sin embargo, en América surge un estereotipo de vírgenes sin cuerpo que dan relevancia al rostro y las manos como puntos de conexión con lo divino. Los cuerpos de estas figuras estaban desmaterializados, envueltos en ropajes exuberantes que negaban la sensualidad y la corporeidad. Esta ausencia o negación del cuerpo era parte de una estrategia visual para reforzar el carácter sacralizado y la pureza inalcanzable de las vírgenes, que funcionaban como mediadoras entre el cielo y la tierra.

La pintura colonial, en su afán evangelizador, evitaba cualquier representación explícita del cuerpo humano, especialmente el femenino. El cuerpo era visto como potencial fuente de pecado y debía ser controlado por la normativa eclesiástica. Los retablos y frescos de iglesias mostraban cuerpos masculinos en escenas bíblicas, pero bajo estricta regulación, y casi nunca se permitía la exposición de desnudos.

Con la llegada del siglo XIX y la independencia, el arte colombiano experimentó una apertura hacia nuevas formas de representación. Con el surgimiento de la Escuela de Bellas Artes, en las últimas dos décadas del siglo XIX se planteó la necesidad de enseñar la figura humana del natural, impuesta desde 1891 durante la rectoría de Epifanio Garay, contra la tradición de aprender el cuerpo humano a partir de láminas con modelos anatómicos o de pinturas europeas, defendida por el sacerdote jesuita Santiago Páramo, quien siempre la había enseñado de esa manera. En este contexto emergen figuras como Francisco Antonio Cano que hacían desnudos como estudios preparatorios para las figuras vestidas de sus cuadros o Ricardo Acevedo Bernal que, siendo un especialista en pintura religiosa, utilizó el cuerpo como vehículo de ironía y comentario social, dentro de la lógica del grupo de intelectuales llamado la gruta simbólica.

La primera parte del siglo XX trajo consigo una revolución en la manera de concebir el cuerpo en el arte colombiano. Eladio Vélez, por ejemplo, se destacó por sus desnudos que rompían con la rigidez académica, buscando capturar la vitalidad del cuerpo real, alejándose de los modelos idealizados del pasado, e Ignacio Gómez Jaramillo llevó la representación corporal a terrenos más dramáticos y simbólicos, buscando lenguajes de la modernidad que se dinamizaron en la generación posterior de Alejandro Obregón, quien estudió la violencia y el conflicto a través del cuerpo. Sus obras llenas de energía y tensión reflejan el impacto de la violencia en la identidad nacional.

Tras la experimentación abstracta, transformación y deformación del canon de la figura que dominó la escena nacional e internacional durante varias décadas, y de la que hizo parte Fernando Botero o Carlos Granada, hacia los años setenta, artistas radicados en París como Luis Caballero y Darío Morales apostaron por una representación enmarcada dentro de las nuevas formas de realismo de la escena internacional. Luis Caballero se especializó en los cuerpos masculinos, abordando temas de erotismo, sufrimiento y marginalidad, explorando las tensiones entre deseo y represión. Darío Morales llevó el realismo a niveles extremos, desarrollando un hiperrealismo erótico que desafió tabúes al poner en primer plano la corporalidad.

A su vez, en la escena local David Manzur, con su Santa Teresa, fusionaba la espiritualidad implantada desde la colonia y el cuerpo, creando una imagen donde la experiencia mística se expresa a través de la sensualidad y el sufrimiento corporal. Mientras Álvaro Barrios, en los años setenta, presentó desnudos que dialogan con el arte pop, cuestionando los límites entre lo artístico y lo cotidiano.

Durante la década de los ochenta, la representación del cuerpo se diversificó aún más con figuras como Carlos Salazar, Ivanka Drufovka y Vicky Newman, que se enfocaron en el cuerpo femenino, resaltando la sensualidad y el empoderamiento. Sus obras rompían con los estereotipos tradicionales al proponer nuevas formas de ver y entender el cuerpo en el arte colombiano.

A finales de los años noventa, en la Florida, surgió el movimiento Neorrealista liderado en buena medida por artistas colombianos entre los que se encontraba Darío Ortiz, fusionando el realismo con elementos simbólicos y narrativos utilizando el cuerpo como protagonista de historias complejas, donde la identidad, la memoria y el deseo se entrelazan en lo que han definido como un performance pintado.

En el siglo XXI, el cuerpo como tema central ha tenido continuidad en pintores como Nicolás Uribe, Nicolás Beltrán y Angie Vega, que continúan la exploración de la imagen del cuerpo desde perspectivas íntimas, a veces críticas y experimentales, donde exploran la identidad de género y la corporalidad en contextos urbanos.

En las últimas décadas, el arte contemporáneo colombiano ha llevado la exploración del cuerpo a nuevos territorios, especialmente a través del performance y el arte conceptual. Los artistas utilizan el cuerpo como herramienta de protesta, reflexión y experimentación. En el performance, el cuerpo deja de ser solo objeto de representación y se convierte en sujeto de acción, capaz de desafiar normas sociales y políticas, creando obras que invitan a la introspección y al diálogo. Camilo Arévalo y Carolina Molina, en sus performances, convierten el cuerpo en sujeto de experiencia, dejando de verlo únicamente como objeto de representación. Arévalo explora el cuerpo como territorio de resistencia, identidad, construcción y transformación, mientras que Molina aborda temas de marginalidad y violencia, haciendo del arte una experiencia viva y participativa. De igual manera, las obras de Laura Barrera se destacan, ya que ella dibuja con su propio cabello para expresar situaciones relacionadas con la ansiedad, hábitos y manías, donde su cuerpo es tanto objeto de estudio para la representación como materia.

Conclusión: El cuerpo como territorio de identidad y transformación

A lo largo de la historia del arte colombiano, la representación del cuerpo ha sido un reflejo de los cambios sociales, políticos y culturales del país. Desde la sacralización y ocultamiento en el arte colonial, pasando por la apertura académica y los desnudos emblemáticos del siglo XIX y XX, hasta las exploraciones críticas y experimentales del siglo XXI, el cuerpo se ha convertido en un territorio de construcción de identidad y memoria. Los artistas han utilizado la figura humana para expresar deseos, conflictos, sueños y resistencias, mostrando que el cuerpo es mucho más que apariencia: es un espacio de diálogo, transformación y creatividad, revelando la capacidad del arte para cuestionar, transformar y construir nuevos sentidos sobre lo humano.

Esta exposición, realizada con obras de las colecciones del Museo de Arte del Tolima y la Galería El Museo, hace parte de “Cartografías de la mirada: arte, territorio y comunidad”, (CN232-2026) un programa curatorial auspiciado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, que aborda distintas perspectivas del arte colombiano, en diálogo con temas como la identidad, el cuerpo, el paisaje, la memoria y la transformación del territorio.

Artistas participantes: Felipe Lozano, Marco Mojica, Guillermo Vélez, Carlos Salazar, Vicky Neumann, Aurora Lario, Ivanka Drufovka, Álvaro Barrios, Nicolas Uribe, Luis Caballero, Alejandro Obregón, Ignacio Gómez Jaramillo, Darío Morales, Camila Arévalo, Carolina Molina, Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Eladio Vélez, Santiago Páramo, Coriolano Leudo, Francisco Antonio Cano, Ricardo Acevedo Bernal, Darío Ortiz, Angie Vega, Nicolas Beltrán, Laura Barrera, Germán Camilo Téllez y Hugo Efraín Satizabal.